С чего начинается музыкальный спектакль
Работа над постановкой музыкального спектакля
Ольга Долматова
Работа над постановкой музыкального спектакля
Работа над постановкой музыкального спектакля.
Сказки учат детей понимать отношения между героями, воспитывают чувство справедливости, стремление делать добро, умение понимать юмор.
Музыкальная сказка — это яркое, эмоциональное изложение сказочных событий, содержание и смысл которых усиливаются музыкальным сопровождением. Музыкальный спектакль дает и детям и педагогу возможность получать удовольствие и радость уже в процессе подготовки, а не только от результата работы.
Выбор спектакля начинается глубоко заранее. Прежде всего, подбирая сказку для детского исполнения необходимо учитывать, чтобы сюжет был прост, понятен детям, музыка мелодичная, выразительная, яркая, вокальные партии в удобном для детей регистре, имеющие не слишком широкий диапазон, технически доступны для исполнения, легко запоминающиеся. Если текст написан в стихах, то важно, чтобы они были литературно грамотные, образные, легкие для произношения и запоминания.
Помимо этого учитываются способности детей конкретной группы. Например, в «сказке про бабу ягу…» всего три главные роли, а остальные герои выступают группами, что даёт возможность каждому ребёнку участвовать в действии, преодолевая застенчивость и зажатость.
Ранее дети на развлечениях и праздниках участвовали в маленьких сценках, исполняли индивидуальные песни и танцы. То есть накапливали опыт не бояться быть в центре внимания.
Перед первым прослушиванием спектакля я детям говорю, что мы будем ставить сказку и показывать её перед зрителями, как настоящие артисты. Слушайте и представляйте, в какой роли вы себя видите. С воспитателями мы уже обсудили, кто на какую роль способен (по внешности, по характеру, по сообразительности, но детям этого,конечно же, не говорим. Во время прослушивания дети «примеряют на себя» несколько ролей, выбирают наиболее привлекательную.
Первое исполнение сказки детям должно быть настолько ярким, эмоциональным, заразительным, чтобы у детей появилось желание в этом участвовать, поиграть в это.
После прослушивания сказки обсуждаем характеры героев, дети выдвигают свои кандидатуры на главные роли и даже предлагают кандидатов на другие роли.
В процессе репетиций бывает дети сами понимают, что переоценили свои силы, но не могут открыто в этом признаться. Спустя время от родителей мы узнаем, что ребёнок не хочет идти в садик, плохо спит. В этом случае ребёнок,конечно же, снимается с роли.
Бывает и наоборот: для того, чтобы выступать, ребенок включает все свои внутренние резервы, прилагает очень большое старание, делает над собой усилие и не только овладевает ролью, но и с помощью этого решает многие личностные проблемы.
Разучивание вокальных партий проходит индивидуально. Рассуждаем, как передать характер героя, настроение в разных эпизодах, какая должна быть мимика, движения. Очень помогает правильному пению и дыханию движения руками, пальцами. Замечено, когда ребенок получает роль, где ему приходится петь индивидуально перед зрителями, у него значительно повышается мастерство и в пении и в движении.
Как же быть остальным детям: застенчивым, с плохой речью? Они во втором составе.
Процесс репетиций очень долгий, дети по какой-то причине отсутствуют (болеют, уезжают в отпуск). Кто выручит? Тот, кто сидел, втихаря мечтал и не смел себя предложить. Или другой приём, дети вытаскивают жребием бумажки, где написаны роли, кого сегодня надо изображать. Так мы играем уже после главного выступления. Дети, незаметно для себя, раскрепощаются, забывают о комплексах.
Первый показ музыкального спектакля проходит перед сверстниками. После спрашиваем зрителей, какой герой понравился, почему. С детьми – исполнителями мы обсуждаем после репетиций, кому что удалось, кому надо постараться сделать так, чтобы стало ещё интереснее.
Через театральное искусство дети начинают понимать, что такое коллективное творчество, ощущают внутреннюю свободу, открывают для себя новые возможности, о которых и не подозревали.
Формирование музыкального слуха и музыкального вкуса у детей дошкольного возраста с помощью музыкальной игры План исследования: Формирование музыкального слуха и музыкального вкуса у детей дошкольного возраста с помощью музыкальной игры Актуальность.
Оформление музыкального зала к выпускному утреннику. Совместная работа с родителями Музыкальный зал. Вот и закончился самый торжественный, запоминающийся, волнительный утренник «Выпуск детей в школу». В этом году оформлением.
Работа музыкального руководителя в летний оздоровительный период Работа музыкального руководителя в летний оздоровительный период Цель: Формирование интереса к эстетической стороне окружающей действительности,.
Работа над песней с подгруппой детей-логопатов при подготовке спектакля Как важно обращать внимание на правильное пропевание окончаний слов Готовя к постановке ту или иную сказку, мы ей всегда стараемся музыкально.
Сценарий музыкального спектакля «Мы играем в школу» Сценарий музыкального спектакля «Мы играем в школу» Открывается занавес, на сцене дети произвольными группами. Звучит фонограмма песни «А.
Сценарий музыкального спектакля «Дюймовочка» для кружка ДОУ «Музыкальный театр» Картина 1. Цветущий садЗвучит фонограмма «Звуки весны» (пенье птиц, капель). Вылетает Ласточка Ласточка: Весна пришла! Пришла Весна! Вновь.
Видео и сценарий новогоднего музыкального спектакля «Наряжали звери елку» в подготовительной группе Театр в жизни ребенка-явление в современном мире не редкое. Это особый мир, где ребенок познает сущность добра и зла и приобщается.
Театральные термины, которые важно знать перед походом в театр
В театре существует множество вещей и понятий, которых в обычной жизни не встретишь. Представьте, что мы идем в театр на спектакль. Мы пройдем путь от входа в здание театра и до окончания спектакля. И на пути будем изучать театральные термины и разбираться, что они означают.
До начала спектакля
Мы входим в театр с центрального входа. Чтобы пройти в гардероб, нужно предъявить билет контролеру. В театре таких служащих много, мы еще встретим их в фойе, на ярусах, в зале. Человек, встречающий вас при входе и проверяющий билет, называется капельдинер.
Капельдинер — служащий театра, который проверяет билеты, помогает отыскать ваше место в зале, продает программки. Словом, капельдинер — это ваш проводник в театре.
ТЕАТРАЛЬНАЯ ПРОГРАММА — красиво оформленный листок бумаги, сложенный вдвое, с логотипом театра и всеми данными про спектакль, который вы пришли смотреть. В программке указываются:
ПОРТРЕТНАЯ ГАЛЕРЕЯ располагается обычно в основном фойе театра. В ней представлены фотографии всех артистов труппы с упоминанием всех их званий и регалий. Как правило, портретные галереи оформляются в каком-то особом художественном стиле. Портретная галерея — это витрина театра, она должна привлекать внимание зрителей.
Театр Пушкина в Москве, монтаж декораций, вид со сцены в зрительный зал / фото Алены Патрикеевой
В зрительном зале
Начинают звучать звонки, открываются двери в зрительный зал. Нам с вами нужно отыскать свои места. Зал в классических театральных зданиях делится на несколько частей.
ПАРТЕР — основная часть зрительного зала, расположенная ниже уровня сцены. Пол в зале всегда делают с уклоном, чтобы всем зрителям было видно происходящее на сцене, а впереди сидящие не мешали смотреть сидящим сзади. Чем дальше от сцены ваши ряд и место, тем выше они будут расположены.
АМФИТЕАТР — места в нижней части зала, начинающиеся от окончания партера и заканчивающиеся у задней стены зрительного зала. Ряды в амфитеатре выстраиваются с более серьезным подъемом, нежели уклон в партере, как правило, каждый ряд располагается на длинной ступени, тянущейся от одного края партера до другого.
БЕНУАР — это две группы лож, расположенные по бокам партера, почти на уровне сцены или чуть ниже его.
БЕЛЬЭТАЖ — второй этаж. Ложи, отделенные друг от друга барьерами или перегородками, опоясывающие зал над партером.
ЯРУСЫ — балконы над бельэтажем. Здесь места зрителей, как правило, не делят на ложи. Ярусов бывает два или три, все зависит от вместимости зрительного зала.
БАЛКОН — самый верхний ярус в зале. Здесь во все времена были самые дешевые места, поэтому билеты на балкон пркупали не самые имущие зрители, в основном, студенты. Балкон часто именуют «галеркой», в старину его называли «раек».
ЛОЖА — несколько мест для зрителей, отделенных от других перегородкой или барьером. В некоторых театрах есть так называемые ЛИТЕРНЫЕ ЛОЖИ, почти вплотную примыкающие к сцене.
В музыкальных театрах немалую часть пространства перед сценой занимает ОРКЕСТРОВАЯ ЯМА. В ней располагается оркестр. Звук из ямы не перекрывает голоса солистов. Оркестранты, сидя в яме, не мешают зрителям видеть сценическое действие.
Устройство сцены
Пока спектакль не начался, давайте посмотрим на сцену. Над сценой стены образуют некую раму.
ПОРТАЛ или ЗЕРКАЛО СЦЕНЫ — это та самая рама, которая отделяет сцену от зала. «Зеркалом сцены» портал назвали из технических соображений: данные о длине и высоте сценической площадки позволяют художникам вымерить декорации, точно вписать их в пространство сценической коробки. «Зеркало» еще и потому, что сценическое действие отражает жизнь.
В театре существует понятие «одежды сцены». Это совершенно разные по форме, способу изготовления и функциям большие куски ткани.
К одежде сцены относятся:
ЗАНАВЕС — огромное полотнище из тяжелой дорогой ткани (часто из бархата), отделяющий сцену от зала. Занавес открывается в начале спектакля, закрывается в антракте и в финале. В разных театрах оформление занавеса зависит от истории, традиций самого театра. Где-то он одноцветный, где-то расшитый и богато оформленный. Знаменитый занавес МХАТа уже много десятилетий несет на себе изображение чеховской чайки, давно ставшей символом театра.
Занавесы бывают раздвижными и подъемно-опускными. Раздвижной занавес расходится посередине, две части его при открытии прячутся за портал. Подъемно-опускной занавес поднимается практически до самой верхней части сценического портала. Но на самом деле в мире насчитывается порядка 13 типов занавеса. Они различаются нюансами в способах открытия и устройством.
АРЛЕКИН — продольно висящий прямоугольный отрез ткани, который венчает занавес. Арлекин шьется из той же ткани, что и занавес. Его задача: скрыть рабочие механизмы самого занавеса и те, что расположены за порталом.
ПАДУГИ — отрезы той же ткани, из которых сшиты кулисы, висящие перпендикулярно им и параллельно арлекину. Падуги ограничивают пространство сцены и скрывают висящие за ними осветительные приборы.
ЗАДНИК — огромный кусок ткани, висящий на самом заднем плане пространства сцены. Задник может быть черным, как кулисы и падуги, может быть расписным, если того требует художественное решение спектакля. Иногда в театрах используют белый задник, края которого шире обычного задника. Их подворачивают по направлению к зрительному залу. Такой задник используется для видеопроекции и называется в театре «горизонтом».
ПОЛОВИК — сценический планшет, как правило, деревянный. Где-то он выкрашен в черный цвет, где-то нет. В большинстве театров планшет закрывают половиком. Это сшитые продольно длинные полосы черной или темно-серой плотной ткани. В зависимости от художественного решения половик может быть темным или расписным. Если в спектакле используется поворотный круг, то для спектакля шьется специальный половик из двух частей: одна покрывает сам круг, другая все остальное пространство сцены, открытое для зрителя.
Сценическое пространство делится на такие части:
АВАНСЦЕНА — самая передняя часть сцены, выступающая в зрительный зал от портала. Иногда ее называют «просцениум».
АРЬЕРСЦЕНА — пространство сцены, которое чаще всего оказывается за задником. Там во время спектакля проходят артисты и технические службы, там хранятся части декораций. Иногда пространство арьерсцены используют в спектаклях: арьерсцена помогает создать эффект глубины сценической коробки.
Немного расскажу о том, что скрыто от зрителей в сценическом пространстве.
Кулисы, падуги и все, что оказывается в сценическом пространстве, подвешивается на штанкеты.
ШТАНКЕТ — длинная металлическая труба, подвешенная на металлические тросы. Диаметр такой трубы — 7-8 см. Длина в каждом театре своя, главное, чтобы края штанкета уходили далеко за порталы на 1,5-2 метра.
КОЛОСНИКИ — практически самый потолок пространства над сценой, где установлены подъемные механизмы, лебедки и прочее.
Прогулка по театральным местам Москвы: Станиславский, Немирович-Данченко, Вахтангов, Мейерхольд, Чехов
КАРМАНЫ — пространство по бокам сцены, где хранятся декорации.
СОФИТЫ — группы фонарей и сценических прожекторов, расположенные прямо над сценой по нескольким параллельным планам.
РАМПА — группа фонарей, расположенных по краю авансцены, освещающая первый план сценического пространства.
Сцена театра Пушкина в Москве / фото Алены Патрикеевой
Спектакль начался
Спектакль состоит из ДЕЙСТВИЙ. Их часто путают с отделениями, поэтому запомните: в театре —действия, отделения бывают в концертных программах и в цирке.
ПРОЛОГ — самая первая картина сценического действия, которая вводит зрителя в курс дела, объясняет жанровые особенности спектакля, своего рода, правила игры.
ЭПИЛОГ — финальная часть спектакля, подводящая итог сыгранной истории.
АНТРАКТ — перерыв между действиями (актами) спектакля. Происходит от французских слов «между» и «акт». Антракт предназначается для отдыха зрителей и артистов За время антракта часто меняются декорации.
ЧИСТАЯ ПЕРЕМЕНА — этим термином называется момент, когда на сцене гаснет свет, и за считанные секунды, пока, скажем, звучит музыка, меняется оформление. Поворачивается круг на сцене, и при зажженном свете действие продолжается в другом месте — был зал в доме, теперь берег реки. «Чистой» такая перемена называется потому, что она скрыта от глаз зрителя.
ИНТЕРМЕДИЯ — небольшая сценка, часто развлекательного характера, играющаяся на авансцене, иногда перед закрытым занавесом. Предназначена для снятия напряжения у зрителя после сложной или тяжелой сцены, для перемены декорации, для создания у зрителя иной точки зрения на поступки главных героев.
АКТЕР — исполнитель роли в спектакле. Часто путают слова «актер» и «артист». Разделение тут довольно условное. «Актер» в переводе с греческого — «действующий», а «артист» на латыни означает «мастер, художник, творец». Выбирайте сами, какое слово вам нравится больше. Скажу только, что профессия называется все-таки «актер».
РЕЖИССЕР — человек, создающий спектакль. Он выбирает пьесу, анализирует ее, трактует так или этак, выбирает актеров и репетирует с ними будущий спектакль. Вместе с художником режиссер сочиняет сценическое пространство. Потом уже художник создает макет декорации, по которому декораторы выстраивают ее на сцене.
ПОМОЩНИК РЕЖИССЕРА — человек, которого никто из зрителей никогда не видит. Но важнее его во время спектакля нет никого в театре. Все нити управления спектаклем в его руках: выходы артистов на сцену, перемены декораций, смена света, связь со всеми техническими службами театра, поиск выхода из чрезвычайной ситуации, открытие и закрытие занавеса и многое другое. В программках про помощника режиссера часто пишут «Спектакль ведет такой-то».
Спектакль закончился
Спектакль заканчивается поклонами артистов.
АПЛОДИСМЕНТЫ — это благодарность зрителя актерам за сыгранный спектакль. Зритель активно хлопает в ладоши.
А мы с вами выходим из театра, уже зная многие его тайны и понимая странные словечки, которые сотрудники театра используют в своей речи каждый день.
Музыка в театре
В работе затрагиваются разные виды театральных жанров, существовавших в эпоху античности, средние века, Возрождения, и другие периоды вплоть до наших дней, включающих музыку как важнейшее средство характеристики образов.
Просмотр содержимого документа
«Музыка в театре»
Театральная музыка – музыка в любых театральных спектаклях, то есть в постановках театра музыкального (опера, балет, оперетта, музыкальная драма, музыкальная трагедия), так и драматического.
В музыкальном театре музыка – важнейшее средство характеристики образов, ведущий проводник художественной идеи. В драматическом театре она способствует созданию определённой эмоциональной атмосферы спектакля; наряду с прочими средствами воссоздаёт исторический и национальный колорит, углубляет характеристики персонажей, подчёркивает переломные моменты развития действия, драматические кульминации.
Театральные зрелища, как известно, возникли в древности (V в. До н.э.) и описаны Аристотелем. Первые театральные действия включали в себя слово и пение, танец и движение. Музыка и жесты усиливали значение слов, танцы иногда становились самостоятельными номерами. Искусство было синкретичным (от греч. «соединение»), то есть представляло собой единство слова, пения и движения.
Авторы древнегреческих трагедий Эсхил, Софокл и Еврипид были не только поэтами, но и музыкантами.
Неотъемлемой частью любой античной греческой трагедии был хор. Занимая своё место на орхестре, он распевал стихи, осуждая или оправдывая действия главных персонажей. У актёров тоже жест и слово плавно переходили в пение, создавая тем самым максимальную эмоциональную наполненность. В хоре как правило было 12-15 человек, но он действовал от первого лица, подчёркивая тем самым единство народного мнения. Также функция хора состояла в том, чтобы создавать определённую атмосферу в той или иной сцене.
В Средневековье театральность была связана с богослужением, в недрах которого вызревали драматические формы повествования о библейских событиях.
В конце XVI в. возник жанр оперы, он не был связан с богослужением. Основа оперы – музыка, театр здесь условен, ведь в жизни люди не поют, чтобы рассказать о своих чувствах. О́пера (от итал. opera — дело, труд, работа) —музыкально-драматическое произведение, основанное на синтезе слова, сценического действия и музыки.
Во Францию опера начала приходить во времена Людовика XIII, когда кульминацией придворных празднеств становился балет, местами сопровождающийся пением.
Бале́т (фр. ballet, от итал. ballare — танцевать) – вид сценического искусства, спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.
Началом балетной эпохи во Франции и во всём мире следует считать 15 октября 1581 года, когда при французском дворе состоялось представление зрелища, которое принято считать первым балетом — «Комедийный балет королевы» (или «Цирцея»), поставленное итальянским скрипачом, «главным интендантом музыки» Бальтазарини де Бельджозо. Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан-Жоржем Новерром (1727—1810). Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.
В 1855 году, также во Франции, зародился ещё один вид музыкального театрального искусства – оперетта. Опере́тта (итал. operetta — уменьшительное от «опера») — музыкально-театральный жанр, сценическое произведение и представление, основанное на синтезе слова, сценического действия, музыки и хореографии.
Этот вид театрального искусства зародился как раз в тот период, когда Франция переживала не лучшие времена, когда правительство было окружено глупыми, бездарными министрами. Именно эта особенность послужила созданию пародийных сюжетов с целью показать широкой публике и высмеять политику и действия генералитета.
Основателем оперетты считается Жак Оффенбах, открывший в 1855 году свой собственный театр «Буфф-Паризьен». Первые оперетты Оффенбаха «Двое слепых», «Прекрасная Елена», «Орфей в аду» оказались очень современными, хотя и были написаны на мифические и сказочные сюжеты.
В оперетте, в отличие от оперы, не только пели, но и говорили.
Ещё один выдающийся композитор оперетты – Иоганн Штраус. С его именем связаны величие и блеск венской классической оперетты. Его феноменальный дар ярко раскрыт в проникновенных и благородных мелодиях 479 оперетт. В 1874 году Штраус создал настоящий шедевр, покоряющий сердца многих людей по сей день – оперетту «Летучая мышь».
Во Францию мюзикл пришёл значительно позже, и был менее зрелищным, чем на Бродвее, больше напоминая эстрадные концерты. История Французского мюзикла началась в постановки Starmania, ставшей легендой и классикой жанра, и не однократно возрождавшейся в разные годы и с разным актёрским составом. За Старманией последовали нашумевшие Notre Dame De Paris и Romeo et Juliette. De la haine, a l`amour, после которых уже чётко сформировался отдельный жанр именно французского мюзикла.
Сейчас в современном музыкальном театре популярен именно этот жанр, так как он сочетает в себе абсолютно все способы творческого самовыражения, воспитывая универсальных артистов, которые должны одинаково профессионально петь, танцевать, и при этом быть невероятно одарёнными драматическими актёрами. Несмотря на это мюзикл остаётся лёгким для восприятия жанром с популярными запоминающимися мелодиями, которые в состоянии напеть любой зритель, выходящий со спектакля.
Драматический театр был и остаётся одним из самых распространённых и популярных видов искусства. Главное выразительное средство – слово, через него раскрывается смысл происходящих событий, характеры действующих лиц. Подлинное мастерство, умение владеть выразительными средствами сценического искусства зависит наряду с другими факторами и от уровня музыкальной культуры. Ведь музыка — один из важнейших элементов театрализованного представления почти любого жанра.
Редкий драматический спектакль обходится сегодня без музыки. Инструментальная и вокальная, самостоятельная и вспомогательная, дополняющая драматическое действие (например, персонаж играет на музыкальном инструменте, танцует, поет), музыка помогает раскрыть идею пьесы, психологию и характеры действующих лиц, вводит зрителя в эпоху, подчеркивает время и место действия, обнажает драматический или комический подтекст, создает психологический фон для диалога, поддерживает ритм спектакля, уточняет его жанр и выполняет другие задачи.
Вместе с драматургом, режиссером и актером композитор — один из авторов спектакля. Приступая к работе над пьесой, он тщательно знакомится с музыкой времени, в котором происходит действие. Под какую музыку танцевал на балу Чацкий? Какие песни были по нраву купцам из пьес А. Н. Островского? Что трубили королевские трубачи при выходе короля Лира? Изучив музыкальную фактуру эпохи, композитор её не копирует, а чаще всего пишет музыку, лишь в какойто степени имитирующую исторический мелос и музыкальную стилистику тех лет. Такой подход оправдан: пьеса старая, но идетто она сегодня, смотрят её сегодняшние зрители.
В истории театра были периоды, когда музыка лишь усиливала эмоциональные переживания зрителей. Так, в мелодраме, когда злодей подкрадывался к жертве, зловещая музыка предупреждала публику о готовящемся злодеянии; встречу влюбленных отмечал ликующий мажорный всплеск, а их разлуку подчеркивала печальная флейта. Отзвуки такого использования музыки живы до сих пор, но теперь не они определяют характер музыки для театра. Сегодня она — важнейшее средство образного отражения действительности.
Музыкальное оформление спектакля, в зависимости от пьесы, решается поразному. Иногда музыканты или источник музыки (патефон, граммофон, магнитофон, телевизор) находятся непосредственно на сцене или музыку исполняет персонаж (при этом лучше, когда актер сам владеет музыкальным инструментом). Она может звучать и за сценой — как знак происходящих неподалеку событий (военный оркестр в «Трех сестрах» А. П. Чехова).
Музыкальное оформление составляется и из фрагментов музыкальных произведений (фрагменты «Патетической сонаты» Л. Бетховена в пьесе М. Г. Кулиша «Патетическая соната», Камерный театр, 1931). В некоторых случаях режиссер сознательно использует знакомую мелодию, чтобы вызвать определенные ассоциации у зрителей (песни фронтовых лет в пьесе А. Н. Арбузова «В этом милом, старом доме»). При помощи музыки театр демонстрирует свое отношение к персонажу или событию, героизирует его (гимн «Венсеремос» в спектаклях о С. Альенде и событиях в Чили) или сатирически высмеивает (песенка «Съезжалися к загсу трамваи» из «Клопа» В. В. Маяковского), подает его в определенном ключе — лирическом (серенады в комедиях «плаща и шпаги») или романтическом (песни гасконцев в комедии «Сирано де Бержерак» Э. Ростана).
Есть целый ряд пьес, посвященных непосредственно жизни музыкантов («Моцарт и Сальери» А. С. Пушкина, «Лето в Ноане» Я. Ивашкевича о Шопене, «Музыкантская команда» Д. Дэля, «Старший сын» А. В. Вампилова), где музыка становится главным действующим лицом спектакля.
С драматургией Б. Брехта и композитора К. Вейля связано появление зонгов — вставных музыкальных номеров, исполняемых актером уже как бы от своего имени или от имени театра. Зонги обычно не связаны с сюжетом пьесы, они политически тенденциозны и несут в себе страстный призыв или сатирическое осмеяние чеголибо. Зонги вводятся в спектакли публицистического плана для расширения и углубления зрительского восприятия идеи пьесы и её проблематики.
Музыку для театра писали многие композиторы. Классической стала музыка И. А. Саца к «Синей птице» М. Метерлинка, поставленной К. С. Станиславским в Московском Художественном театре. Много сделали в области музыки для театра С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Ю. А. Шапорин, Т. Н. Хренников, Д. Б. Кабалевский, Г. В. Свиридов, Г. И. Майборода, О. В. Тактакишвили. Продолжает жить самостоятельной жизнью музыка Хренникова к комедии У. Шекспира «Много шума из ничего». Значительным событием стало создание А. И. Хачатуряном музыки к драме М. Ю. Лермонтова «Маскарад». Всем памятна музыка Кабалевского к пьесе Р. Б. Шеридана «Школа злословия».
Велика роль музыки в спектаклях для детей, особенно если это сказка, феерия, карнавальное представление. Каждый персонаж имеет свою образную музыкальную характеристику. В таких спектаклях нередки не только вставные песни и танцевальные номера, но и арии, дуэты, трио, квартеты, хоры. Постановки такого рода тяготеют к жанру мьюзикла. К наиболее интересным относятся работы композиторов Э. С. Колмановского («Белоснежка», театр «Современник»), М. А. Осокина («Сказки Пушкина», ЦДТ), Г. И. Гладкова («Бременские музыканты», Театр имени М. Н. Ермоловой), М. И. Дунаевского («Три мушкетера» по А. Дюма, МТЮЗ), М. С. Болотина («Принц и нищий» по М. Твену и С. В. Михалкову, МХАТ).
Музыка может выразить любые человеческие чувства и эмоции, поэтому театрально-музыкальные жанры всегда пользуются популярностью миллионов людей. Всему миру они интересны и понятны независимо от национальной принадлежности.